André Bazin (Angers, 1918; Bry-sur-Marne, 1958 Francia)

Por Natalia Vías

«Si el cine ha nacido ha sido por la convergencia de su obsesión, es decir, un mito: el del cine total»
André Bazin

«Un artículo negativo escrito por Bazin describe mejor una película que un artículo elogioso escrito por uno de nosotros»
François Truffaut

Si existe un nombre al que identificamos inmediatamente con la crítica y el análisis cinematográfico éste sería quizás el de André Bazin. Sus escritos siguen conservando una frescura asombrosa después de casi cinco décadas. Era un teórico elegante, honesto, de precoz madurez intelectual y con una visión crítica profunda y apasionada. Amable y flexible en sus argumentaciones y profundamente humano en su trato. Desempeñó su labor teórica durante quince años hasta su prematura muerte en 1958.

Definido como "el mejor crítico francés de la posguerra" por George Sadoul, en Bazin nada era forzado, ni vehemente, sino reflexivo, incluso, a veces, cauto en sus apreciaciones y humilde en su devoción por el cine.

Desde sus primeros escritos, Bazin se empeñará en realizar una "crítica cinematográfica en relieve", es decir, una crítica que profundice en la esencia misma del cine. «Bazin —escribía Truffaut— no ha sido el único en analizar el valor de la imagen, su naturaleza. No obstante, tengo la impresión de que fue el único en preguntarse realmente sobre la función de la crítica» (1).

Así, dejando de lado la superficialidad que generalizaba a la crítica de su época, Bazin entiende que debe darse al público algo más, se ha de atender al proceso técnico, y que el espectador cinematográfico se interese por la luz, los decorados, el montaje, la música, el guión... tanto como en las circunstancias históricas en las que se desarrolla cada etapa de la historia del cine. Esto es lo que realmente llevará al espectador a entender el cine.

Y es que para Bazin, el cine camina estrechamente vinculado al desarrollo tecnológico y a las circunstancias sociales, políticas, en fin, a las circunstancias propias de cada periodo histórico. El cine nace y se transforma (del cine mudo al sonoro, del blanco y negro al color) debido a la influencia del entorno. Y así, en contra de los estudiosos que defienden que la única forma de cine puro es el cine mudo, Bazin entendía que, al contrario, el sonido viene a completar al cine mudo, en lo que será su evolución natural.

Defensor de un lenguaje propio del cine y del cine como lenguaje. No dudaba en afirmar: «El cine es un lenguaje». Y será este lenguaje, más que cualquier convención social, la que determinará lo que se entiende por el "cine clásico".

Para Bazin el mito que dirige la invención del cine es el del "realismo integral", es decir la recreación del mundo a su imagen, una técnica de reproducción de la realidad como lo fueron antes la fotografía o el fonógrafo. «Una imagen —dirá Bazin— sobre la que no pesaría la hipoteca de la libertad de interpretación del artista ni la irreversibilidad del tiempo. Un arte total, lo que llamará "el mito del cine total"» (2).

Bazin exaltaba el cine, bueno o malo, del que siempre tenía la posibilidad de reflexionar y extraer conclusiones. A este respecto, J. Francisco Aranda, en su magnífico libro Luis Buñuel. Biografía crítica, recogía la siguiente reflexión de Man Ray: «Los peores films que haya podido ver, aquellos que me hacen dormir profundamente, contienen siempre cinco minutos maravillosos, y los mejores, los más celebrados, cuentan solamente con cinco minutos que valgan la pena: o sea, que tanto en los buenos como en los malos films, y por encima y a pesar de las buenas intenciones de sus realizadores, la poesía cinematográfica pugna por salir a la superficie y manifestarse» (3). Esto es justo lo que Bazin pensaba sobre las películas. Con un riguroso y profundo análisis sobre la imagen, Bazin, por ejemplo, comprende a través de la obra de Hitchcock, que guión y dirección son indisociables, agradece que Ciudadano Kane recupere definitivamente el camino hacia el realismo a través de su deslumbrante puesta en escena. Pone la atención en los secretos escondidos en el film de Rossellini, Paisà, la maestría de De Sica en cada plano de El ladrón de bicicletas y el estilo único de Renoir en su película, La regla del juego.

Como recordará Truffaut, las películas que más influyeron en Bazin fueron, Le jour se lève de Marcel Carné, Monsieur Verdoux de Chaplin, La regla del juego de Renoir y la película de Welles, Ciudadano Kane.

En 1952, Bazin funda junto al crítico y realizador Jacques Doniol-Valcroze (1920-1989) y a un grupo de jóvenes críticos la mítica revista Cahiers du cinéma que continuaba la labor de la desaparecida La revue du cinéma.

Durante la década de los cincuenta, la revista marcó sus pautas en materia de crítica y análisis cinematográfico y consolidó la enorme importancia e influencia que llegará a tener. Bazin se mantendrá ligado a ella hasta el año de su muerte. Cahiers se caracterizaba por su interés en el cine italiano y el neorrealismo y recuperó para el espectador el, por entonces algo denostado por los demás sectores de la crítica, cine norteamericano. Así, devuelven el lugar que les correspondía a las películas de Hitchcock, Lang, Fuller y sobre todo exaltan la obra del cineasta Nicholas Ray.

En sus páginas se formaron algunos de los cineastas más importantes de las décadas de los cincuenta y sesenta como Truffaut, Godard, Rivette, Chabrol, Rohmer... aquellos jóvenes críticos, seguidores y discípulos de Bazin, unos pocos años después formarán lo que se denominará Nouvelle Vague, la nueva ola (4). Con ellos dará comienzo uno de los periodos más interesantes y personales de la cinematografía gala.

Estos cineastas no han dudado en expresar lo mucho que Bazin influyó en ellos. Y es que desde las páginas de Cahiers, Bazin reflexionó sobre todos los aspectos del cine, formulando sus ya conocidas teorías sobre la imagen.

No sólo era el alma de Cahiers donde desarrolla una intensa actividad como crítico, sino que también publica entre 1958 y 1962 cuatro volúmenes de su más famoso libro, ¿Qué es el cine? Probablemente sea uno de los libros más traducidos y reeditados en el mundo sobre cine. También escribe libros monográficos sobre Orson Welles, Vittorio de Sica y Jean Renoir, tres de sus más admirados directores.

En 1959, un año después de su muerte, François Truffaut dedica a André Bazin su película Los cuatrocientos golpes.

Bazin amaba al cine por el cine, admiraba a Stroheim, a Welles y a Flaherty, le gustaba el western y la comedia americana y sobre todo admiraba a su gran amigo Jean Renoir. Fue también amigo de alguno de los realizadores más importantes de su época; Welles, Rossellini, Truffaut, Cocteau y Fellini.

Truffaut finaliza el prefacio del libro de Dudley Andrew con estas palabras: «Añoramos a Bazin». Nosotros, los cinéfilos sin remedio, los amantes de la imagen, añoramos hoy día a críticos como André Bazin. Porque Bazin, desde su inmensa sensibilidad, manifestaba que el cine era el arte propio del amor. «No se podría comprender enteramente el arte de un Flaherty, de un Renoir, de un Vigo, y sobre todo, de un Chaplin, si no se busca antes qué variedad particular de ternura, qué clase de afecto sensual o sentimental se refleja en sus films. Creo que más que cualquier otro arte, el cine es el arte propio del amor» (5).

Bazin consiguió algo no sólo difícil dentro de la crítica en general sino en especial en la crítica cinematográfica donde casi siempre priman intereses más comerciales que artísticos, Bazin consiguió "encender una luz", una luz que todavía hoy día es capaz de iluminar con los más bellos resplandores.

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(1) Andrew, Dudley, André Bazin. Éditions de L´Étoile. Febrero, 1983. Prefacio de François Truffaut. Añoramos a André Bazin. Recogido en François Truffaut, El placer de la mirada. Ediciones Paidós Ibérica, S.A. Barcelona, 1999, pág. 61.

(2) Bazin, André. ¿Qué es el cine? Ediciones Rialp, S.A. Madrid, 2004, pág. 37.

(3) Aranda, Francisco J. Luis Buñuel. Biografía crítica. Editorial Lumen. Barcelona, 1969, pág. 334.

(4) En 1957 aparece por primera vez el término Nouvelle Vague ("Nueva ola") en el semanal francés "L´Express". Acuñó el término la periodista Françoise Giroud.

(5) Bazin, André. Op cit. págs. 354 y 355.

Regreso...

Después de mucho tiempo me decidí a volver a este espacio que surgió por la necesidad de transmitir mi pasión por el cine, por volcar aquí todos mis pensamientos e influenciar a otros este amor por el séptimo arte.
Últimamente se me han venido a la cabeza todas esas películas que quiero ver, las que deseo volver a disfrutar y aquellas que me he perdido por falta de dinero y tiempo; qué falta me hace volver a una sala de cine y mucho más experimentar el asombro que sentí aquella vez que descubrí el cortometraje.
Hoy me hicieron recordar el cine tan fascinante de Jim Jarmush, la poesía que hizo Juan Carlos Cremata de su ópera prima "Nada" y la labor social que está cumpliendo actualmente en nuestro país a través del documental "Presunto culpable" que dirigió Roberto Hernández.
La verdad es que quiero ver mucho cine, pero mucho y poder expresar todo lo que esas historias provocan en mi. Quiero estar a la altura de las circunstancias porque sé que no hay nada más placentero que hacer algo que inspire a los demás.

un corto muy bueno y divertido : )

Una gran historia...

Ficha Técnica:
Título en español: Quisiera ser millonario Ficha técnica
Dirección: Danny Boyle
Loveleen Tandan
Producción: Christian Colson
Guión:
Simon Beaufoy
Novela:
Vikas Swarup
Música A. R. Rahman
Editor: Chris Dickens
Fotografía: Anthony Dod Mantle
Reparto: Dev Patel,Freida Pinto, Anil Kapoor, Irrfan Khan, Ayush Mahesh Khedekar, Tanay Chheda, Saurabh Shukla, Mahesh Manjrekar, Ankur Vikal, Madhur Mittal
Datos y cifras:
País(es): Reino Unido/ EU
Año: 2008
Duración 120 minutos


Slumdog Millonaire
Por Fernanda Solórzano

Un niño cubierto de mierda se abre paso entre una multitud. Una figurita andante, embarrada de pies a cabeza, con una nube de moscas zumbándole alrededor. No le cuesta trabajo avanzar: el olor del excremento lo anuncia, y una vez que la gente lo nota le deja el camino libre. Llega, por fin, a su meta: el lugar en el que un actor famoso ha descendido de su helicóptero, y es perseguido por decenas de fans. El niño-estatua de caca también es su admirador: lleva consigo una fotografía, y logra que el actor la firme. Es uno de los momentos más felices de su vida. Alza su bracito embadurnado en señal de victoria, y muchos nos alegramos y emocionamos junto con él.

La escena ocurre en Mumbai, India; el niño se llama Jamal; la película es Quisiera ser millonario (Slumdog Millionaire), y el “muchos” incluye a los jurados y al público que a lo largo de un año le han otorgado más de sesenta premios.

La razón por la cual una secuencia como la descrita arriba, junto con otras que muestran al mismo Jamal siendo torturado, a unos gángsters que vierten ácido en los ojos de un niño anestesiado, a una niña virgen en “venta” dentro de un burdel, y otras postales de miseria y explotación, pueden resultar en una de las películas más esperanzadoras en muchos años tiene que ver con el ojo del director detrás: el británico Danny Boyle, conocido por la popular Trainspotting (1996), la única película sobre el estilo de vida junkie verdaderamente amoral. (No es casual que la escena de Jamal saltando en un pozo de heces –inmediatamente anterior a su carrera por el autógrafo– evoque la secuencia ya clásica de Trainspotting en que un junkie “bucea” dentro un excusado para recuperar, exitosamente, una cápsulas de heroína. Más allá de lo obvio –los chapuzones en la inmundicia–, las escenas se espejean para lograr que lo relevante sea la tenacidad de los personajes, y que esa tenacidad anule las posibles náuseas o el puritanismo del espectador.)

Lo que a estas alturas podría llamarse el efecto Boyle –presente en todas sus películas, y potenciado en Slumdog Millionaire– es la capacidad que tiene el director para que uno se retracte de todo lo que pensaba tanto del cine que representa realidades brutales y sórdidas, como del cine que usa al propio cine como única referencia. (Es decir, el cine de géneros, cuyas convenciones funcionan justo porque ya existe un pacto con el espectador.)

Ante el primer tipo de cine hemos aprendido a reaccionar con indignación. Evitamos juicios estéticos, pues no queremos dar la impresión de que algo malo nos estimuló. Del cine de géneros hemos aprendido que la violencia y la sangre son medios para llegar a un fin; que las coincidencias son la marca del amor verdadero; y que una coreografía de baile es una vía de comunicación. Evitamos expresar emoción, pues no querríamos dar la impresión de que algo tan falso nos conmovió.

Slumdog Millionaire se alimenta de las dos corrientes: registra una realidad socioeconómica espeluznante al tiempo que echa mano de géneros cinematográficos de variada reputación. La historia se basa en una novela de Vikas Swarup, pero el argumento es sólo uno de los componentes del complejo efecto Boyle; su estética, los movimientos de cámara, la música y la edición vuelven inútiles los consejos del manual del espectador, y lo dejan sin ganas de racionalizar su emoción.

El eje de la película es la participación de un muchacho hindú (el mismo del autógrafo, varios años después) en el programa de televisión ¿Quién quiere ser un millonario? Jamal (Dev Patel) responde a preguntas sobre arte, política, deportes, religión, y acumula millones de rupias contra toda probabilidad. Su dominio de los temas es inexplicable; es un chico pobre y sin ninguna educación. Puede que esté haciendo trampa, o eso piensa el conductor del programa. No contento con humillarlo al aire, decide, entre un episodio y otro, someterlo a un interrogatorio brutal. Entre golpes, toques eléctricos y otras torturas, Jamal debe convencer a los agentes de policía de que sabe, en verdad, las respuestas a las preguntas. Para ello les cuenta su historia: primero huérfano y luego perseguido por las llamadas mafias de pordioseros, ha sobrevivido de las maneras más increíbles. Su única meta en la vida es reunirse con Latika (Freida Pinto), niña huérfana que, a diferencia de él, no pudo escapar de los gángsters. ¿Por qué sabe la respuesta a preguntas tan ajenas a su mundo? Porque cada una de ellas –imágenes, nombres, títulos– está asociada a un momento clave de su muy accidentada biografía emocional.

Si se le mira con mala leche (o con la estrechez de visión crítica que da la lente de la corrección política), puede decirse que Slumdog Millionaire explota y se beneficia de lo escabroso de su materia. Como era de esperarse, ya existe una breve historia de protestas anti-Boyle. El pasado 27 de enero, por ejemplo, el sensacionalista Daily Telegraph publicó una nota que acusaba al director de enriquecerse a costa de niños actores extraídos de barrios marginales, quienes –decía el artículo– habían recibido como pago por su participación menos de lo que recibiría un empleado doméstico. (Tres días después la productora Fox Searchlight, el propio Danny Boyle y los papás de los niños actores declararon, por separado, que estos habían recibido el equivalente a tres veces el salario anual de un adulto, que su educación estaba asegurada hasta la edad de dieciocho años y que se había establecido un fondo que cubría gastos médicos, emergencias y necesidades básicas para sus familias.) Esa misma semana un grupo de activistas en una ciudad hindú rasgaron pósters y saquearon el cine donde se exhibía la película, argumentando que llamar “perros” a los habitantes de los zonas marginales (slumdog se traduciría como “perro de barrio pobre”) constituía una violación a los derechos humanos. (Su forma de vida, al parecer, no.) Una queja aún más surreal fue la interpuesta por Mercedes-Benz y Coca-Cola cuando se enteraron de la aparición de sus productos en la película. En ella los gángsters manejan lujosos Mercedes grises, y los tratantes de niños se ganan la simpatía de sus víctimas ofreciéndoles una coca fría en medio del insoportable calor. Las marcas pidieron que se borraran los logos. Su uso en ese contexto, decían, dañaría su reputación. (No tanto el hecho, a juzgar por la queja, de que la mafia hindú en realidad maneja Mercedes-Benz o de que una coca es el único refresco presente en los rincones más infectos del mundo.) Políticos y autoridades (y hasta el actor idolatrado por el pequeño Jamal) reprochan a Boyle el hecho de presentar “sólo una parte” de un país cada vez más moderno. Ninguno, a fin de cuentas, ha acusado al director de falsear la realidad.

Podría decirse –y sería más legítimo– que sus ángulos de cámara extremos, las secuencias de suspense trepidante y, en general, la vitalidad que emana de cada una de las escenas terminan por volver atractivas cosas que no lo son. Pero no es el caso del cine de Boyle. Al final del día, Slumdog Millionaire no busca justificar su vigor con mensajes del tipo “una vida de penurias siempre tiene compensación”. La historia de Jamal y Latika no quiere establecer nexos entre sacrificio y felicidad. Las leyes que rigen su historia son, en otro sentido, temibles: las de un destino que habrá de cumplirse, les guste a los involucrados o no.

Si el espectador queda deslumbrado es tanto por el tema (una suma de desgracias que arroja una cifra feliz) como por la poderosa y muy calculada estructura del relato. Cuando en un momento, cerca del final de la película, las escenas más escabrosas se suceden unas tras otras como en una lotería del infierno, su sentido es muy distinto al que tuvieron la primera vez. El compensado por su sufrimiento acaba siendo el espectador. Si Slumdog Millionaire es extraordinaria es porque Boyle se dedica al cine y no a la antropología social. No es que manipule el discurso; simplemente no abandona el ámbito de la buena ficción.

Por último –pero no menos importante–: la gloriosa coreografía final. Si aún quedaba un espectador cínico, Slumdog Millionaire le reserva una última revelación: que no ha abandonado un minuto el mundo del melodrama hindú. Por eso, el héroe incansable, la heroína con cara de princesa, los villanos como demonios y el locutor con peinado ochentero y fijado con un litro de spray. Hemos estado al pendiente de un argumento de Bollywood (sus estudios están en Mumbai, donde ocurre la acción de la cinta), y lo hemos aceptado sin la distancia y/o condescendencia que nos merece lo que consideramos kitsch.

Al ritmo de la melodía que sirve de cortinilla al cuento, aceptamos nuestra fascinación por los romances de dimensiones épicas, por las historias que “estaban escritas” y por los bailes sincronizados que –ahora lo confirmamos– son disparadores de ánimo dentro y fuera de la ficción.

De las más pedidas...

Título original: Twilight
Título en español: Crepúsculo
Año: 2008
Director: Catherine Hardwicke
Reparto: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Justin Chon, Billy Burke, Ashley Greene, Nikki Reed, Jackson Rathbone, Peter Facinelli, Cam Gigandet, Taylor Lautner, Anna Kendrick, Michael Welch, Christian Serratos, Elizabeth Reaser, Edi Gathegl, Rachel Lefevre Sarah
Nacionalidad: USA
Argumento: Crepúsculo es la adaptación de la novela de Stephenie Meyer. Cuando Isabella Swan se muda a Forks, una pequeña localidad del estado de Washington en la que nunca deja de llover, piensa que es lo más aburrido que le podía haber ocurrido en la vida. Pero su vida da un giro excitante y aterrador una vez que se encuentra con el misterioso y seductor Edward Cullen. Hasta ese momento, Edward se las ha arreglado para mantener en secreto su identidad vampírica, pero ahora nadie se encuentra a salvo, y sobre todo Isabella, la persona a quién más quiere Edward...

CRITICA DE AULLIDOS.COM
Por Laura Martínez

Por fin llega Crepúsculo (Twilight), dirigida por Catherine Hardwicke, cuyo estreno ha marcado la 15ª mejor apertura de la historia del cine por delante de la tercera entrega de "El señor de los anillos" (increíble, pero cierto), siendo a su vez la mejor apertura de la historia del cine de una directora. La película está basada en la exitosa saga vampírica escrita por Stephenie Meyers, famosa en el mundo y últimamente de moda.
Como película, es entretenida, correcta, con diálogos dinámicos y amenos y una BSO que personalmente me gustó mucho. Los efectos... pues bueno, también bastante comedidos; mientras los movimientos rápidos que realizaban los vampiros eran semejantes a los de muchos videojuegos, el efecto (esperadísimo) de Edward expuesto al sol, me sorprendió gratamente. No me volví loca de emoción, pero está bien conseguido.
En cuanto a la adaptación literaria (y aquí hablo como seguidora de la saga), es fiel, no está mal; el guión y los diálogos, de los que la autora se encarga, son prácticamente calcados de la novela, con esos buenos puntos irónicos que te arrancan la sonrisa (lo cual se agradece). De los personajes se puede decir que son similares; digamos que la mayoría son bastante fieles a la novela, aunque para no variar, se toman ciertas libertades... un Eric repentinamente oriental; un Jasper sin apenas participación en el film, mudo y aparentemente de plástico; una Rosalie que, lejos del mujerón pintado en el libro, parece no haber salido aún de Thirteen; un Laurent de piel bastante más olivácea de lo descrito; o un Doctor Carlisle que parece el Doctor Ken. Destaco los personajes de Bella, Charlie, Alice o Jacob.
Edward... a ratos bien y a ratos no tanto. La mayoría de las veces se puede decir que el papel lo borda, aunque me sigue pareciendo que está la mitad de la película con cara de haber fumado hierba, pero no pude evitar sonreir como una cría cuando dice la frase más famosa del libro: "Y de ese modo el león se enamoró de la oveja"... hubiese suspirado sonoramente como hicieron muchas en la sala, pero a tanto no llego. Igualmente, todos están acertados en sus papeles.
Sin embargo, han dejado de lado muchas cosas importantes de la novela para centrarse casi únicamente en la pareja, sin prestar atención al origen de algunos de los Cullen o a la mítica conversación en el coche donde ella le dice a él qué cree que es realmente. Tampoco se le da demasiada importancia al personaje de Jacob, podría tenerla en el momento en que se explica la leyenda y el origen de los vampiros (los fríos), pero la recortan dejándolo en una explicación mínima. Quizás esto es lo que hace que el desenlace sea algo atropellado.
En general, una peli entretenida, que no se hace pesada (al contrario), donde la acción transcurre mientras al final la trama se queda en algo un poco más simple.

Para ponerse de buenas...

Ficha técnica:
Titulo Original: Matando cabos
Dirección: Alejandro Lozano
País(es): México
Idioma Original: Español
Categoría: Ficción
Tipo: Color
Duración: 93 min.
Año de producción: 2004
Productora: Lemon Films
Guión: Tony Dalton, Kristoff Razcinsky, Alejandro Lozano
Producción: Billy Rovzar, Bertha González, Rodrigo Peñafiel, Michelle Fastlich, Leslie Fastlich
Fotografía: Juan José Saravia
Edición: Alberto de Toro, Rafael Rivera
Música: Santiago Ojeda
Sonido: Evelia Cruz, Eric Dounce, Enrique Greiner
Intérpretes: Tony Dalton, Kristoff Razcinsky, Ana Claudia Talancón, Pedro Armendáriz Jr., Joaquín Cosío, Rocío Verdejo, Jacqueline Voltaire

Sin lugar a dudas Alejandro Lozano sorprendió a muchos mexicanos con esta ópera prima, yo creo que ni él se imaginó que fuera a tener tanto éxito (sobre todo con los jóvenes). El guión corre a cargo de Tony Dalton y Kristoff Razcinsky,quienes hicieron una buena mancuerna con el director y francamente nadie podría creer que este par de locos fueran capaces de escribir una historia tan descabellada como ésta... pero así es.
Todo inicia cuando vemos a Jaque y al Mudo manteniendo una extraña conversación el baño sobre el legendario magnate Oscar Cabos, quien es su millonario jefe, temible suegro de Jaque, dueño del edificio donde trabajan y que está precisamente en el baño de al lado en calzoncillos... inconsciente. A partir de aquí podemos predecir que el futuro de este par de amigos no será nada fácil y que sólo un milagro los podría salvar.
Esta es una comedia que los hará reír de principio a fin, no lo duden ni por un minuto (yo sé lo que les digo). También podrán disfrutar de intensas escenas de acción cuyo género es poco utilizado en nuestro país y que normalmente no obtienen un resultado tan satisfactorio.
La mayor parte de los actores que participan en esta cinta son nuevos, pero eso no importa porque desde un principio te enganchas con la película y te carcajeas todo el tiempo porque los personajes son súper chistosos.
Este filme costó aproximadamente 25 millones de pesos, presupuesto muy alto en lo que se refiere a cine mexicano y para que se den una idea la escena en la que se estrella el auto dentro del Estadio Azteca costó 2 millones de pesos... pero lo bueno de todo es que salió a la primera.
Yo estoy segura que no los decepcionará, es más querrán verla más veces y no se aburrirán. Cada uno podrá hacer su propia lectura de Matando cabos, pero me parece que es una buena propuesta para comentar, criticar o detestar y eso udes. lo sabrán mejor que yo.

Todo sea por el cine...

Sé que he tenido abandonado este espacio, pero no lo he olvidado. No estoy segura de que alguien lo vea, que lea lo que yo escribo o que le inspire algo bueno con respecto al cine, pero debo decir que no he dejado de pensar ni un minuto en todo lo que me gustaría hacer para que más gente descubra esos films que a mi me han emocionado.
Siempre digo que el cine cambió mi vida y efectivamente así es. Quisiera tener el dinero suficiente para poder ir al cine cada vez que hay un estreno importante o para adquirir esas películas que me han quemado la cabeza.
La verdad es que el sábado tomé cartas en el asunto y justo en este momento estoy detallando un proyecto que tenía en mente desde hace muchos años. Sé que esto representa un gran reto porque la gente de este lugar no está acostumbrada a ver películas como Metrópolis de Fritz Lang, Deseando amar de Wong Kar Wai o El séptimo sello de Ingmar Bergman (por citar algunas), pero confío en mi buen juicio para poder guiar a los espectadores y provocar en ellos algo más que un simple gusto por el cine.
Algo me dice que este es el "momento" de causar curiosidad en las personas, de traer una opción a esos cinéfilos que como yo vivimos en el anonimato y aún no nos hemos identificado como tales... vamos por el mundo sin reconocernos, viviendo nuestra cinefilia de manera íntima y muy personal porque simplemente no sabemos que "hay más como nosotros".
Esto es necesario. La pasión que siento por el cine me sobrepasa, siento la necesidad de hacer algo por este medio que tantas satisfacciones me ha dado; no puedo seguir siendo egoísta con los demás... tengo que mostrarles "eso" que a mi me fascinó...
Espero sinceramente que todo salga bien, que las personas indicadas aprueben mis ideas y en menos de lo que pienso este proyecto esté en marcha, hay tela de dónde cortar y de eso no hay duda.